Rafael Lozano-Hemmer est né à Mexico en 1967. En 1989, il a obtenu un B.Sc. en chimie physique de l’Université Concordia à Montréal. Artiste médiatique travaillant à l’intersection de l’architecture et de la performance, il crée des plateformes pour la participation du public en utilisant des technologies telles que les lumières robotiques, les fontaines numériques, la surveillance informatisée, les murs des médias et les réseaux télématiques. Ses projets sur l’ombre et la lumière sont inspirés par la fantasmagorie, le carnaval et l’animatronique. Ses œuvres sont des «antimonuments pour l’agence extraterrestre».

L’œuvre de David Altmejd est un mélange unique et exaltant de science et de magie, de science-fiction et de romantisme gothique : une vision post-apocalyptique mais viscéralement optimiste aussi, toujours forte d’un potentiel de régénération, d’évolution et d’invention. David Altmejd est né à Montréal en 1974. Il vit et travaille à New York. Il a étudié à l’Université du Québec à Montréal et a obtenu une maîtrise en beaux-arts à l’Université Columbia, New York, en 2001. Parmi ses nombreuses expositions internationales, on peut citer une importante exposition, Flux, qui a voyagé du Musée d’Art moderne de la Ville de Paris au MUDAM et au Musée d’art contemporain de Montréal au Canada (2014-2015).

Bill Viola est né à New York en 1951 et détient un diplôme de l’université de Syracuse obtenu en 1973. Figure de proue dans le champ de l’art vidéo, il crée des installations, des films, des environnements sonores et des œuvres vidéo sur écrans plats pour des concerts, opéras et espaces sacrés depuis plus de quarante ans. Viola a représenté les États-Unis à la Biennale de Venise en 1995.

Né en 1960 au Mississippi, Jafa vit et travaille à Los Angeles. Il a collaboré en tant que cinéaste et directeur photo avec divers musiciens
et réalisateurs tels que Stanley Kubrick, Spike Lee, Julie Dash, Solange, Khalil Joseph et Jay Z. En 2016, Love Is the Message a propulsé Jafa sur la scène internationale de l’art contemporain et, en 2019, le prestigieux Lion d’or de la Biennale de Venise lui a été décerné pour sa plus récente œuvre The White Album, présentée dans l’exposition May You Live in Interesting Times (Puissiez-vous vivre à une époque intéressante).

Cette œuvre de Marc Quinn a été présentée dans l’exposition inaugurale de DHC/ART, du 5 octobre 2007 au 6 janvier 2008. Né en 1964 à Londres, Marc Quinn est une figure majeure de l’art contemporain britannique. Dans son travail, il s’intéresse principalement à la mutabilité du corps dans le temps, à sa présence physique dans l’espace et à sa précarité au sein de la culture. Il explore également avec force la moralité, la beauté, la famille et l’interaction entre art et science.

Nicolas Baier révèle l’état du monde en recourant à la fois au moyen le plus nouveau s’offrant à lui comme artiste plasticien (la photographie numérique) et aux plus anciens (composition, couleur et forme). Son utilisation de plus en plus discrète de la technologie a transformé son œuvre photographique en un médium beaucoup plus malléable et proche de la peinture. Ses images sont de remarquables exemples de la technologie mise au service de l’imagination.

L’esthétique envoûtante de Jean-Michel Othoniel est fondée sur la notion de géométrie émotionnelle. Par la répétition d’éléments modulaires comme les briques ou les perles (qui sont sa signature et son motif le plus récurrent), il crée de magnifiques sculptures dont la relation
à l’échelle humaine va de l’intime au monumental. Sa prédilection pour des matériaux aux propriétés réversibles et souvent réfléchissantes (en particulier le verre soufflé devenu emblématique de sa pratique depuis le début des années 1990) fait écho à la nature profondément équivoque de son art.

An American Index of the Hidden and Unfamiliar (2003-2007), révèle des objets, des sites et des espaces faisant partie intégrante des fondements et de la mythologie des États-Unis ou de son fonctionnement au quotidien, auxquels le public n’a pas accès ou qu’il ignore. Ces objets rarement vus peuvent être des capsules radioactives dans un centre d’entreposage de déchets nucléaires, un ours noir en hibernation ou la collection d’œuvres d’art de la CIA. The Innocents (2003) documente des cas de condamnation injustifiée aux États- Unis, remettant en cause le rôle de la photographie en tant que témoin crédible et médiateur de la justice.

Cette photographie documente une projection monumentale sur un paysage boisé du Kanisfluh (Vorarlberg) en Autriche, le 17 juin 2004. Depuis 1996, Holzer propose des textes à très grande échelle défilant sur des architectures ou des paysages à l’aide de puissants projecteurs au xénon qui projettent du film 185 mm. Le texte se compose d’extraits de documents gouvernementaux et du poème d’Henri Cole puisé dans l’exposition, de même que des écrits de l’artiste.

Rovner a réalisé des enregistrements numériques de groupes de gens dont elle a chorégraphié les actions : courir, sauter, agiter les bras. Hitlakdut, mot hébreu qui signifie «cohésion», montre bien la capacité de transformation de Rovner en ce qui a trait aux matériaux radicalement différents qu’elle utilise. La combinaison de la surface rugueuse de la roche et la légèreté d’une projection vidéo est un geste d’ordre religieux : la terre et l’illumination se fondent ici en un tout vivant. Les créatures éthérées qui dansent dans leur univers singulier transforment lentement un morceau de roche en un vaisseau.

Jake et Dinos Chapman sont un duo d’artistes britanniques dont les projets collaboratifs déstabilisants incorporent des maquettes en plastique ou en fibre de verre pour illustrer des scènes horribles avec soldats nazis, personnages de McDonald, squelettes, dinosaures et autres étrangetés. Leurs œuvres rappellent les scènes morbides de l’enfer de Jérôme Bosch ou encore les parodies macabres de Francisco Goya
du gouvernement espagnol. Nés Iakovos (Jake) en 1966 à Cheltenham (Angleterre) et Konstantinos (Dinos) en 1962 à Londres, les frères Chapman ont reçu une formation en art.